(495) 517-51-35
(495) 741-98-71

История театра

Становление театрального искусства. Зачатки театрального искусства существовали еще в первобытном обществе, до появления ранних цивилизаций. Театральное искусство как таковое возникло и на Востоке, и в Древней Греции и Риме, а затем продолжило развиваться в средневековой и ренессансной Западной Европе и России.

Обращаясь к историческому прошлому театра, хочется отметить, что разнообразные зрелища и действа существовали с глубокой древности. Это обусловлено разными обстоятельствами. Во-первых, это потребность в отдыхе, во- вторых — познание и открытие себя, мира, человеческой души, в-третьих — манипуляция общественным сознанием. Художественное отражение реальной действительности совершалось с помощью драматического действия. Взаимодействие характеров, раскрытие психологических или общественных конфликтов, попытка привлечь зрителя к участию в реализации замысла — вот что лежит в основе театрального действия.

Исторические предпосылки формирования театрального действа появляются в первобытный период. Как правило, эти обряды сопровождались заклинаниями, пением, танцами, игрой на древних музыкальных инструментах. В ритуалы включали и различные инсценировки, напрямую связанные с жизнью племен. Важная роль отводилась атрибутам и одеянию колдуна или шамана, которые тоже создавали звуковые эффекты, усиливая воздействие на зрителей и участников действа. Праздники с элементами театрализации устраивались в честь богов, которые отождествлялись с силами природы, природными явлениям и стихиями. Так появились первые представления, носящие театральный характер.
Смотрите программы туров

Все представление было направлено на вовлечение большого числа людей, все становились участниками происходящего. Массовость происходящего зависела от назначения действа, т.е. это были обряды и ритуалы, обращенные к богам, — предполагалось, что боги все видят и включены в происходящее. Первобытные представления, как правило, совершались жрецами, которые, как считалось, были наделены магической силой и могли просить милости у богов: удачной охоты, дождя во время засухи и т.п. Некоторые жрецы «вступали в контакт» с божествами прямо во время совершения обряда или ритуала. Так создавалось ощущение избранности, которое нашло отражение не только в произведениях театра, но и наскальной живописи, запечатлевшей все происходящее. Появилось понимание своего рода «профессионализации» некоторых элементов театрального представления. Казалось, что доказать свое признание богам можно было с помощью совершенствования диалога или монолога. Таким образом, первыми «профессионалами» архаичных театрализованных форм были жрецы и шаманы. Позже их сменили плакальщики, певцы, танцоры. Они прославляли древних египетских, греческих, римских, славянских богов: Осириса, Диониса, Астарту, Ваала, Сатурна, Ярилу, Коляду и других.

Активные, приключенческие, оздоровительные туры, маршруты горы - море 

Жрецы и шаманы, осознав воздействие обрядов и ритуалов на общество, шлифовали свое мастерство, завоевывали власть и авторитет, и ритуальные действия с театрализацией стали использоваться жрецами как важнейшее средство для управления общественным мнением и поддержания порядка. Постепенно начинают формироваться функции театра: социальная, религиозная, идеологическая. Это достигалось за счет большого количества участников обряда и высокой степени эмоциональной включенности в него каждого члена коллектива. Возникает потребность в иных видах искусства (наскальная живопись, мелкая скульптура — фигурки Матери-земли, тотемных животных и т.д., костюмы или одеяния участвующих в обряде), которые обогащали театрализованные действа и помогали создавать эффект массового переживания. Поэтому давно распространено мнение, что театр является мощным средством манипуляции общественным сознанием, с помощью которого внушаются политические, правовые, социальные и другие идеи.

Нельзя не сказать о развлекательной функции театра, которая чаще всего занимает приоритетное место. При этом развлечение, как правило, имеет скрытый подтекст и иногда отвлекает от насущных проблем в обществе. Достаточно вспомнить лозунг римской черни эпохи императорской власти: «Хлеба и зрелищ» (лат. рапет et circenses). Театр широко использовался властными структурами для достижения своих целей. К тому же театр не просто развлекал, но и приносил доход. В Риме продавались билеты, сделанные из кости. Была завершена постройка театра Марцелла (13 г. до н.э.), который был очень удобен для зрителей. На происходившее на сцене публика реагировала бурно, выражая одобрение или негодование возгласами и криками. За плохую актерскую игру могли и покалечить.

Активные, приключенческие, оздоровительные туры, маршруты горы - море 

Важно отметить, что ритуалы и обряды имели тесную связь с художественной составляющей любого представления. Они выступали основой культа, праздника, и как результат всего этого — театрального действа. И хоть прослеживается взаимосвязь ритуала или обряда со всеми видами искусства, именно театр как один из древнейших видов искусства смог сохранить ту форму ритуального построения действия, которая характерна только для него.

Тесное взаимодействие театра и ритуала можно наблюдать во всех театральных системах древности, но присутствие магии было в те времена обязательным. Ритуал мог осуществляться без помощи театральных зрелищ, просто эффект восприятия усиливался, когда они гармонично сосуществовали. Театральное действо, в зависимости от назначения, имело государственное значение, поскольку невыполнение обязательных ритуальных схем грозило бедой для народа. Исходя из этого, позже стали разделять зрелища на ритуальные и развлекательные.

Появление первых трагедий также имеет основой ритуальные действа. Сознание человека было тесно связано с природой и ее возможностями. Многочисленные культы давали повод для размышления в этих представлениях. В них демонстрировалась жестокая судьба героя, который не подчинялся законам природы или пошел против них. Все природные стихии были населены духами и божествами, которые в той или иной степени присутствовали в театральных зрелищах. Вовлечение в происходящее зрителя стало как бы предтечей развития представления трагедий в Греции. Ни одна постановка не обходилась без ритуального или магического обряда.

Активные, приключенческие, оздоровительные туры, маршруты горы - море 

Сценическое действие, возникающее в разные эпохи, имело общие основания. Магические и ритуальные формы набирали масштаб даже тогда, когда возникли первые государства Востока. Самые ранние попытки создания профессионального спектакля осуществлялись на религиозной почве и выросли до литургических драм, трагедий, комедий, фарсов, мистерий. В античности развивались театры со своими традициями, новаторскими идеями, техникой для сцены. Интересные формы зрелищ формировались в государствах Древнего Востока, в Индии, Китае, Японии. В Западной Европе в Средневековье театральное творчество распространялось бродячими актерами, во Франции это были трубадуры и труверы, в Германии — миннезингеры, в Англии — менестрели, в России — скоморохи, но следует сказать, что с XI в. их представления подвергались запретам со стороны православной церкви.

Театр Средневековья освещал чаще всего религиозную проблематику. Ярким примером профессионального театра по праву считается итальянская народная комедия масок — комедия дель арте (XVI—XVII вв.). Возникшая в Италии в эпоху Возрождения «ученая комедия» породила научный и литературный подход к сценическому произведению. В эпоху Возрождения театр становится стационарным, в крупных культурных центрах строятся специальные помещения, предназначенные для драматических постановок. С этого времени театр стремительно развивается во всех странах мира. Он становится местом и средством развлечения, захватывает массы в свой круг, появляются драматурги и режиссеры, актеры и великие произведения.

Новое время требовало новых подходов к подаче драматического действия: поэтика классицизма и барокко тесно связывается с театром, важным аспектом становится постоянное обращение к теоретическим трудам Аристотеля и Горация. Идеологический аспект находит прямое отражение в спектаклях того времени. В эпоху Просвещения публика театров становится демократичной, появляется новая плеяда писателей-драматургов и теоретиков театра — Вольтер и Дидро во Франции и Лессинг в Германии. Возникает новая идеологическая доктрина театра. До появления киноискусства театр будет сохранять устойчивое положение.

Активные, приключенческие, оздоровительные туры, маршруты горы - море 

Пристальное внимание к театру будет сохраняться до Второй мировой войны. Но с появлением кинематографа театр вынужден был потесниться. Театр зачастую становится интересен профессионалам и поклонникам-театралам, в меньшей степени — обычному зрителю. В настоящее время интерес к театру возродился, и причиной нового расцвета театрального искусства можно считать новаторский подход режиссеров, художников-оформителей к класичесокму репертуару, а также появление ультрасовременных постановок, которые привлекают анимание молодежи. Многочисленные театральные фестивали собирают огромное число не только специалистов и теоретиков театра, но и обычных зрителей.

История театра тесно связана с историей государств, поэтому главными источниками информации о театре являются исторические, теоретические труды и мемуары, в которых отражены вехи развития театрального искусства. Во все времена театр был неотъемлемой частью культурной, общественной и политической жизни. Каждый этап в истории театра связан с именами знаменитых авторов, создавших шедевры, которые составляют гордость театрального репертуара и по сей день. Но искусство театра сиюминутно, и потомки могут только из литературных источников узнать о шумном успехе тех или иных постановок, об игре выдающихся актеров прошлого.

Мы проследим развитие театра в конкретный период времени и его место в мировой культуре.

Театр Востока. Культура стран Древнего Востока представляла систему с новыми формами и видами творчества. Поскольку возникновение театра везде осуществлялось в тесной взаимосвязи с религией и культом, то театр Востока не стал исключением. На появление театра также оказало влияние развитие письменности и литературы. Происходил постепенный распад на самостоятельные сферы духовной жизни: религию, искусство, мораль, науку и т.д. Восточные общества всегда отличала традиционность и преемственность культуры, что послужило основой для возникновения театрального действа. Огромную роль сыграли миф и магия, которые, будучи неотъемлемой частью бытия, формировали у народа определенный тип восприятия мира. Именно поэтому в странах Востока наряду с современными по-прежнему продолжают существовать ранние формы народных национальных театров, которые занимают достойное место в мировой культуре и имеют своих почитателей.

Каждая из стран Востока имеет свой символический и одновременно традиционный театр. В Индии — это народный и придворно-аристократический театр, в Японии — театр Но, театр Кабуки, театр кукол Дзерури, в Китае — народный музыкальный, вокальная и танцевальная линии театра. В Египте появился театр религиозной и светской направленности. Индонезийский культовый театр Ваянг тоже представлен разнообразными формами: ваянг-кулит (театр теней); ваянг-голек (театр объемных кукол); ваянг-топенг (театр масок); ваянг-оранг (театр живого актера) и многие другие.

В Древнем Египте театр зародился как массовое действо. Связано это было с многочисленными литературными жанрами и потребностью обслуживать религию, в том числе заупокойный и государственный культы. Памятники древнеегипетского театра представлены многочисленными мистериями, посвященными жизни почитаемых богов — Осириса, Исиды, Тета, Еора, Сета. Исполнителями мистерий были жрецы, а иногда и фараоны. Они очень тщательно подходили к исполнению роли, так как считали, что играть жизнь богов — это очень ответственный шаг. Были продуманы костюмы и элементы декораций. Первые представления датируются первым тысячелетием до н.э.

К примеру, мистерия об Осирисе содержала следующие обряды:

— въезд Осириса (характерный элемент мифологии, повествующий о появлении Осириса и поражении врагов);
— «великий выход» (сюжет о поражении Осириса, его убийства Сетом и оплакивании мужа Исидой);
— выход Вепуата (идол шакала, который указывал Осирису путь и был его первым бойцом);
— перевозка тела Осириса Тотом;
— подготовка к погребению тела;
— расправа над «врагами» Осириса;
— радость и перевозка воскресшего Осириса в его храм в Абидосе.
Это были очень красочные представления, которые разыгрывались как около храмов божеств, где, по легенде, хранились останки, так и в других культурных центрах Египта. Главной идеей всех существующих в Египте и за его пределами мистерий была тема борьбы добра со злом и света с мраком. Эта тема характерна для большинства стран Востока. Многочисленные тексты также служили источником информации и сюжетами для постановок. Иногда проигрывались фрагменты из жизни фараона, которые свидетельствовали о безграничной его власти и использовались жрецами для манипуляции сознанием человека. Такие же сюжеты были характерны и для китайского театра, в котором существовали неизменные образы богов, широко использовались маски. Мужские и женские роли исполнялись только мужчинами. Долго сохранялась первобытная преемственность в диалогах с богами. Этот элемент характерен и для индийского театра.

Древнеиндийский театр тесным образом был связан с религией и философией, в поэзии и драме автор и исполнитель отождествлял себя с природой, пытаясь провести параллель связи человека с окружающим миром и Вселенной. Театр в Индии возник во второй половине I тыс. до н.э. Сильное влияние на развитие и существование театра оказали индуизм, буддизм и ислам. Восприятие через призму этих религиозных представлений выделило театральное действие в особенный структурный элемент, который утонченно преподносил сюжет.

В период становления и развития древневосточных государств театр стал явлением для искушенных и отчасти просвещенных зрителей, которые были способны понять и прочувствовать его скрытые смыслы. Именно поэтому в восточных странах такое большое внимание уделено мимике, пластике движений, имеющих символический код, понятный только «просвещенным». Видимая сакральность дала возможность театру пронести через столетия близость культуры и религии.

Театр Америки и Африки. Театр и драматургия в Америке и Африке развивались идентично театру стран Востока. По сведениям Инка Гарсиласо де ла Веги, в доколумбовой Америке театр был очень популярен. Многочисленные индейские племена имели богатую культовую систему, любили веселиться, часто организовывали театральные представления, причем не только на религиозные темы. Большую популярность имели комедианты, сочинялись произведения по типу комедий и трагедий, сюжеты которых были посвящены деревенской жизни, домашним и семейным делам, сбору урожая, удачной охоте, рождению детей и т.д. Появилось много сюжетов о мифических героях и героических личностях. Театрализованные представления строились по принципу ранних культовых и религиозных обрядов, сопровождались игрой на народных музыкальных инструментах, танцами. Все это действо происходило на открытой местности, чтобы в нем могли принять участие несколько племен.

Тематика постановок в африканских племенах была регламентирована. Первые авторы не допускали непристойных, гнусных и низких интермедий. Все представления были о благородных и хороших делах, о героях, которым следует подражать. Из истории известны примеры награждения вождями и авторитетными в обществе представителями племени авторов или актеров подарками за наиболее удачные роли и представления. Авторство в древний период развития театра не было важным: множество постановок содержали элементы коллективного творчества[2]. Не последнее место в американских и африканских племенах занимал театр кукол или марионеток. Это было характерно для африканских народностей, исповедующих ислам. У американских племен широко распространились маски и росписи на лице, отражающие тот или иной характер или образ. Чаще это было связано с магическими ритуалами, где использовались тотемические статуэтки, наделяемые душой, которые также принимали участие в «диалоге с богами».

Фото активные, приключенческие, оздоровительные туры 

Театр античности. Древнегреческий театр. Античность считается колыбелью европейской цивилизации. Важнейшей частью этой культуры было искусство, поскольку эллины считали, что оно облагораживало, возвеличивало и очищало человеческую душу. Театр занял достойное место в иерархии искусств Греции, его развитие интересно и противоречиво. Создание профессионального театра стало важным и ответственным шагом для греческой культуры: театр превратился в «трибуну» для распространения новых мыслей, освещения и обсуждения насущных проблем в обществе. Греческие автоы с большим интересом наблюдали за всеми изменениями в обществе и создавали свои произведения на злободневные темы. Наивысшего расцвета театр достигает в архаический период развития культуры, произведения драматургов Эсхила, Софокла и Еврипида принадлежат к числу классических и актуальных в любую эпоху, несмотря на то что большинство из них были написаны на мифологические сюжеты. В уста этих героев вкладывались слова, касающиеся самых острых проблем современности.

Истоки греческого театра восходят к культу Диониса — празднеству Великих Дионисий, с которыми связывают происхождение Малых, или Сельских, Дионисий. Дионис, который по древнегреческой мифологии, был сыном Зевса и фиванской царевны Симелы, обычно появлялся в сопровождении сатиров и силенов в козлиных шкурах с конскими хвостами. Праздник в честь Диониса был широко распространен сначала в Афинах, а потом стал популярным на всей территории Греции. Все начиналось с торжественного выноса статуи Диониса из храма и продолжалось массовым шествием и процессией в рощу Академа. Во время процессии все танцевали, распевали дифирамбы (хвалебные песни) — театральные игры строились на принципе состязательности. Был один запевала, затем песню подхватывал хор ряженых. Изначально содержание песен отражало только жизненный путь Диониса. Роль Диониса исполнял красивый мужчина, который иногда вступал в диалог с хором. Действо с VI в. до н.э. из-за костюмов и дифирамбов стали называть трагедией («песнь козлов»). Позже культ Диониса был включен в государственную религию. В V в. до н.э.

к хору были добавлены несколько актеров, ведущих диалог, — так появилась драма. В состав шествующих входили акробаты, мимы, жонглеры, клоуны. Они образовали другую ветвь театра, так называемого комоса, отсюда пошла комедия («песнь бражников»), В тот период не существовало постоянного помещения театра и постоянно действующих актерских трупп, для представлений стали использовать территорию афинского Акрополя. Это была ровная местность — «театрон», где удобно располагались актеры, хор, зрители. Один из крупнейших театров (театр в Эпидавре) сохранился на острове Пелопоннес.

Организация театрального представления была обязанностью богатых граждан полиса. Площадка для выступления представляла собой круг или полукруг (орхестра), была и палатка для переодевания актеров. Лишь спустя время стали строить каменные помещения, в которых размещали декорации и хранили костюмы. Появление декораций приписывается одному из драматургов — Софоклу, поначалу это были доски с нанесенным рисунком. Позже появилась и несложная театральная техника: механизмы применялись для внезапного появления из-под земли или же сверху актеров, исполняющих роли богов.

Театр в Греции был одним из любимых видов искусства. Каждый гражданин полисов принимал участие в театральной постановке. Огромная территория театра затрудняла рассмотрение мимики актеров, деталей костюмов, поэтому все чаще стали использовать маски, которые отражали сценический тип (женщина, жрец, мифологический герой, боги) или душевное состояние, характер. В начальный период их насчитывалось около десяти, позже было около 200 образов и характеров. Во время представления маски и костюмы неоднократно менялись, но маски использовались постоянно, все они были с раскрытыми ртами, чтобы не заглушать звучание голоса актера (чтобы актерские диалоги были слышны, необходимо было иметь хороший звучный голос). Маски отличались и цветовой гаммой: мужские — темных цветов, женских — светлые или белые. Разные эмоции выражались соответствующим цветом: гнев — багровым, лукавство — рыжим и т.д. Для увеличения роста использовалась специальная обувь на платформе (котурны), высокие прически, подкладки под одежду.

Театральные постановки были делом государственным: из казны выделялись деньги и назначались ответственные лица за распределение денег и организацию мероприятий.

Театр не стал исключением атональности греческой культуры. Во время Великих Дионисий состязания длились три дня подряд и включали исполнение трех трагедий и одной комедии, причем состязались не только актеры, но и драматурги. Право определять победителя предоставлялось зрителям. Номинации были следующие: лучшая постановка, лучший актер и лучший хорег — организатор представления. В последний день победители получали награды и похвалы. Считается, что первым драматургом был Феспид (вторая половина VI в. до н.э.), а первая театральная постановка состоялась 27 мая 534 г. до н.э. в Афинах — сегодня это Всемирный день театра.

Славу греческой драматургии составили три великих автора: Эсхил (525—456 гг. до н.э.), Софокл (495—406 гг. до н.э.), и Еврипид (408—406 гг. до н.э.). Каждый из этих авторов является новатором и теоретиком театра. Изначально главным действующим лицом был хор, состоящий из 12 человек, но Софокл увеличил его состав до 15 человек, Эсхил во главе хора поставил корифея, а Еврипид добавил третьего актера, большое значение приобрел диалог. Постепенно функция хора была сведена до минимума в силу роста нагрузки актеров. Иногда роли исполняли сами драматурги, а позже стали появляться профессиональные актеры, обладающие своей харизмой, техникой, манерой. Актерами были исключительно мужчины, а женщины не допускались к участию в представлениях. Это было предопределено политическими правами женщины в греческом обществе.

Ереческая трагедия соединяла в себе диалоги, пение, музыку, танцы. Тексты были поэтические, так как проза не использовалась в театре. Расцвет театра совпал с расцветом демократии, триумфальное шествие театра продлилось век. Трагедия почиталась больше, чем комедия. Первым автором трагедии считается Фриних (ок. 540 — ок. 470 гг. до н.э.). Им было написано около 33 трагедий. К сожалению, его произведения сохранились только в отрывках. Все они были написаны по-ионийски (наречие, относилось к Ионии, области Древней Греции) — Фриних отдавал дань традициям, зародившимся на лирических состязаниях. Повторять старые трагедии запрещалось, поэтому за довольно короткий период времени было создано много произведений. В греческой трагедии воплотились перипетии человеческого существования.

Строение греческой трагедии. Все трагедии начинались с чествования Диониса и почетных граждан полиса. Звучала флейта, и под ее звуки выходили на сцену хор и корифей- запевала.

Начальная часть именовалась прологом, звучавшим до вступления хора. Пролог не ограничивал количество актеров. С монологом выступал один актер, представление целой сцены — более двух актеров. Иногда персонажи в прологе и не появлялись на сцене. Рамки между основными частями греческой трагедии определялись выступлениями хора — пародом, т.е. песнью хора при входе его на орхестру — круглую площадку, служившую местом действия хора и актеров, и стасимами, песнями, которые хор поет, стоя на орхестре. Между песенными выступлениями хора заключены разговорные, диалогические части — эписо- дии, написанные стихами. Главная роль в эписодиях принадлежит не хору, а отдельным действующим лицам, хотя хор выступает в эписодиях на тех же правах, что и отдельные актеры. Обычно в эписодиях выступали от лица хора или его предводитель — корифей, или отдельные хоревты. Корифею давалось право вступать в диалог или исполнять сольную песню. Заключительной частью драмы был эксод (исход), когда хор уходил из орхестры. Песни хора обычно разделяются на соответствующие друг другу строфы и антистрофы, которые заключаются конечной песней — эподом. Песни, исполняемые отдельными актерами (песни «соло»), называются монодиями.

Пение хора сопровождалось музыкой. Инструментом, аккомпанирующим лирической партии, была двойная флейта, сделанная из двух трубок, оканчивавшихся общим мундштуком. Музыкальный аккомпанемент только поддерживался общим хором, а танец был одновременно пантомимой и ко- ментарием к словам. Структура трагедии не менялась в соответствии с творчеством разных драматургов, но каждый из них вносил свои корректировки, касающиеся роли хора, корифея, количества актеров, костюмов, масок и т.д.

Эсхил Элевсинский (ок. 525—456 гг. до н.э.) является законодателем трагедии. Он создал около 90 произведений, до нашего времени дошли только семь. Некоторые его пьесы сохранились лишь частично. Дошедшие да нас произведения показывают, что содержание и сюжетные линии создавались на мифологической основе. При этом все его пьесы касались актуальных проблем. Он стал говорить о честности и справедливости государственных принципов, рассказывать о государственном устройстве Афин, гражданах полиса и их человеческой сущности. Классическим вариантом и наиболее известным произведением является трагедия «Прометей прикованный». Сюжет этого произведения известен — это история Прометея, титана, который принес на землю огонь, за что Зевс велел приковать его к скале и обрек на муки: орел клевал его печень. Прометею было предложено отказаться от совершенного поступка и получить свободу, но он не раскаялся в содеянном. Наиболее известные трагедии Эсхила — «Орестея», «Агамемнон», «Семеро против Фив», в которых не только даны яркие образы героев, но и звучат прекрасные стихи. Его творчество стало примером для современников и последователей.

Первым по времени и наиболее крупным преемником Эсхила был Софокл (ок. 496—408 гг. до н.э.). Известно, что им было написано около сотни произведений, но дошло до нас только семь, среди которых знамениты «Антигона», «Эдип- царь», «Электра», их действие также строится на мифологической основе.

Его достижения заметны и в теории театра — он поменял принципы, заложенные Эсхилом: расширил шкалу образов, добавив к суровым и жестким мягкие и нежные образы различных оттенков. Каждая часть его трагедии имела самостоятельную жизнь: завязку и развязку. Его герои хотя и идеальны, но при этом подвергаются испытаниям судьбы, которая порой безжалостна. Можно сказать, что произведения Софокла отличаются от трагедий Эсхила идеей повествования, которая показывает человеческую беспомощность перед судьбой. Введение Софоклом в действие третьего актера сделало трагедию более интересной и даже торжественной. Представления Софокла о реформации постановки могли бы развиваться, но публика не сразу охотно принимала все нововведения.

В лице Софокла греческая трагедия достигла своего апогея.

Все его нововведения были учтены и использованы его преемником Еврипидом (ок. 480—406 гг. до н.э.). Многие считают его родоначальником психологической драмы. Им написано 92 драмы. Полностью известно 17, остальные сохранились во фрагментах. Он изменил композицию трагедии: сократил значение хора, иногда хор вообще не принимал участия в развитии сюжета, его трагедии отличал разговорный язык, но не приземленный, а очень красочный и насыщенный. Еврипид не идеализировал людей, в его произведениях они были такими, как в жизни, со своими пороками, радостью, доблестью, счастьем, предательством и т.д. Он рассуждал о судьбе человека и роли богов, о социальном положении граждан полиса, об общественных ценностях. Наиболее судьбоносные произведения Еврипида — «Медея», «Ифигения в Тавриде», «Федра», «Троянки». В поздний период творчества он создает трагедии-интриги, в которых главная тема — неумные человеческие страсти и воля случая. Его герои вступают в борьбу с собственными устоями, ценностями, царившими в обществе, чтобы доказать правоту своих поступков. Он смог показать частный интерес к судьбе каждого действующего лица, поскольку Еврипид добавил в свои произведения монологи или сольные песни, которые настраивали зрителя на восприятие судьбы конкретного человека. Драматург оказал сильное влияние на римских авторов, а впоследствии и на всю европейскую драматургию.

Фото активные, приключенческие, оздоровительные туры 

Наряду с трагедией участницей Великих Дионисий стала комедия — дословно «komoidia» означает «песнь комоса», т.е. песни ватаги гуляк после веселой пирушки. Родившись из фаллических песен, комедия была ориентирована на искоренение пороков в обществе, источником комедии стали также шуточные бытовые сценки, фольклор. Елавным элементом комедии был хор ряженых, одетых в несуразные, а иногда и фантастические костюмы. Часто шествие комоса с исполнением песен было похоже на маскарад, так как большинство участников были в костюмах животных, насекомых, птиц.

Комедия долго не рассматривалась как драматическое действие. Первым известным автором считается Кратин (520—423 гг. до н.э.). Еще в древности насчитывали три разновидности комедии: древняя — высмеивающая пороки общества, средняя — обращающаяся к зрителям намеками и новая греческая комедия, возникшая в период высшей степени развития общества, вобравшая в себя опыт трагедии, ставшая более лиричной и менее сатирической в осмеянии людских пороков.

Однако такое существование комедии не было единым для всех полисов Древней Греции. В южной Италии комедия представляла собой карикатурную сценку или пародию с мифологическим сюжетом. Героями становились персонажи античной мифологии: Геракл, Одиссей, иногда Зевс и Посейдон. В комедии со временем появился целый ряд образов (вор, ученый, лекарь-шарлатан, ученый или философ, богач и т.д.), которые стали характерными для всех комедийных представлений.

Комедии стали обрабатываться литературно. Многие из них были небольшие — по 400—500 стихов. Совсем иная роль в комедии отводилась хору, который состоял из 24 человек. Иногда происходило деление на две части. Каждая из частей хора имела противоположное мнение и исполняла песни поочередно — такова была задумка авторов-драматургов. Основная часть комедии состояла из многочисленных сценок, связанных между собой судьбой и личностью героев. Все представление завершалось песнью хора.

В V в. до н.э. появилось большое количество комедийных авторов. Наиболее знамениты Кратин, Эвполид и Аристофан (445—385 гг. до н.э.), комедии которого представляют интерес не только как художественное произведение, но и с исторической точки зрения. Аристофану удалось отобразить в своих произведениях все противоречия, характерные для его времени. Свои произведения он называл по костюмам хора «Козы», «Лягушки», «Осы», «Птицы». В это время шла Пелопоннесская война, афинский полис был в кризисном положении, и борьба политических группировок, кризис идеологии, появление новых течений в литературе — все отразилось в произведениях Аристофана. Творчество Аристофана завершило период блестящего развития греческой культуры, который определил основные функции театра: воспитательную, развлекательную, политическую. Для того чтобы граждане могли посещать театр, им выдавали деньги на покупку билета, т.е. государство делало все возможное для привлечения граждан в театр. Специфические особенности древней аттической комедии были напрямую связаны с политическими, социальными и культурными изменениями в жизни греческого общества.

Следующим этапом развития комедии становится IV в. до н.э. Это была средняя аттическая комедия. Параллельно с комедийными авторами творили великие трагики. В этот период было создано более шестисот пьес около 57 авторов. Ни одна из этих комедий не сохранилась полностью. До нас дошли только заглавия и фрагменты. Характерные для комедии насмешки обрели более мягкую форму. При этом продолжала господствовать мифологическая тематика, пародии на современников. Комедия стала изображать бытовые сцены, показывать жизнь простых людей. Эта тематика не стала столь популярна, как пародия на мифы. В средней аттической комедии практически отсутствовал хор. Выступления стали похожими на интермедии, никак не связанные с сюжетом и ходом событий. В комедии перестали использовать составные части: парод, парабасу, агон, эксод. Взамен появились многочисленные диалоги и эписодии.

Самым поздним видом комедии стала новая аттическая комедия (последняя четверть IV — первая половина III вв. до н.э.). Все предыдущие достижения комедии были забыты. Это в первую очередь касалось сюжетной линии: исчезла злободневная сатира, перестали высмеивать авторитетных членов общества, политических деятелей, круг сюжетов значительно сузился, они неоднократно стали повторяться. Роль хора заключалась в развлечении зрителей во время антракта, но число актеров уже не ограничивалась тремя, возросло количество масок и образов. Стали более углублено разрабатывать психологическую основу образов и уравновесили связь между частями комедии. Основной проблематикой стала семья, религия и традиции. Представителем новой аттической комедии является Менандр (342—291 гг. до н.э.). Он написал более ста пьес, восемь раз побеждал в состязаниях комедиографов. Его произведения стали пользоваться большой популярностью. В своем творчестве он использовал сюжетные традиции новой аттической комедии, ее стереотипных персонажей: влюбленный юноша или молодой супруг, воины, скупые отцы, хитрые рабы. Чаще всего в основе сюжетов лежала судьба девушки, которая подверглась в юности насилию со стороны молодого человека, потом он будет узнан как ее законный муж. Комедиограф наполнял произведения искренним сочувствием к человеческому горю, желанием помочь в разрешении конфликтной ситуации. Ярко отражают идеи Менандра и греческого общества произведения «Самиянка», «Третейский суд», «Остриженная».

Итак, греческий театр развивался динамично. Искусство театра стало носителем политических культурных идей общества. Атональность, присущая греческой культуре, стала важным фактором, формирующим эстетические и художественные возможности театра. Греческий катарсис стал важнейшим элементом культуры.

Древнеримский театр. В Древнем Риме театральные представления впервые состоялись в 240 г. до н.э., когда Ливием Андроником (р. ок. 280 г. до н.э.) были сочинены трагедия и комедия по греческим образцам. Они были созданы для общегородских игр. В Римской империи статус театра не был столь значимым, как в Греции, — главным аспектом стала зрелищность, но влияние греческого театра проявлялось в том, что римляне стали частично заимствовать и использовать готовые формы, созданные греками.

История возникновения театра в Риме также основывалась на религиозных и обрядовых играх, которые сопровождались элементами карнавала. Одним из таких праздников стал Сатурналий в честь бога Сатурна. На празднике сбора урожая исполнялись фесцинины — сатирические песни. Считается, что это были примитивные зрелища, зародившиеся при родовом строе. В их основе лежали мимические танцы этрусских плясунов, после добавились диалоги и жестикуляция. Римская молодежь с большим интересом подражала актерам. Характер действ был шуточный и язвительный: высмеивались пороки знати и конкретные персоны, но позже было запрещено высмеивать конкретных знатных людей[3].

Активные, приключенческие, оздоровительные туры, маршруты горы - море  

Трагедия с трудом приживалась на римской земле. Первое время переводили произведения известных драматургов Греции, переделывая их для римской сцены. Римская мифология не представляла такого интереса для римских граждан, как в Греции, поскольку мифы рассматривались как мелодраматические сюжеты, а для воинственной культуры римлян это было скучно. Единственный способ заинтересовать зрителей заключался в пересказе и переделке сюжетов греческих трагедий. В связи с этим начала меняться композиция трагедии, хор уже не играл никакой роли (или вообще не присутствовал) и был заменен сольными песнями, монологами корифеев, хоровые песни перерабатывались в монодии или дуэты актеров. Пройдя такую переработку, римская трагедия преобразилась и стала кардинально отличаться от греческой.

Долгая и интересная судьба была у римской комедии. Первой появилась ателлана (от имени городка Ателла). Это было комическое представление, в котором использовались маски, причем маски-характеры были главными действующими лицами. В представлении постоянно действовали четыре маски-персонажа — Макк, Буккон, Папп и Доссен, каждый из которых имел свой образ и характер. Так, Макк был представлен добрым и влюбчивым дураком и обжорой, он терпел насмешки и побои и чаще всего изображался лысым, с ослиными ушами и крючковатым носом. Буккон изображался пухлогубым, так как считался болтуном и тоже любил поесть — пухлые губы должны были дать понять, что они распухли от чрезмерной болтовни. Однако он — не глупец и не простофиля. Папп — скупой, богатый старик, который очень любил молодых женщин и вечно попадал впросак. Персонаж Доссен — хитрый горбун-шарлатан, но при этом он добивался уважения к себе путем умных речей, постоянно льющихся из его уст: неграмотный люд бывал впечатлен и легко поддавался на его уговоры. Текст заранее известен не был, сочинялся в ходе представления, имела место импровизация.

Развития литературной драмы в Риме не произошло. Широко использовались переводы греческой драмы, адаптированные к римской культуре. Драматург Гней Невий (ок. 280 — 201 гг. до н.э.) сочинял и трагедии, и комедии. Он не только перерабатывал греческие произведения на мифологической основе, но и вводил римскую историю в драматические произведения. Трагедия называлась претекста, ее основу обычно составляли современные проблемы, в ней также делался упор на существующие пороки общества.

Другим видом зрелищ стала паллиата, получившая свое название от персонажей, которые выступали в греческих широких плащах-палиях. Чаще всего герои были греками и местом действия тоже была Греция, однако греческие имена были просто ширмой. Всем было понятно, что повествование будет о римлянах, их нравах и проблемах. Гией Невий применял в паллиатах контаминацию, т.е. соединял в одной римской пьесе сцены из нескольких греческих пьес, писал свободным и понятным языком. Как автор он был честен, прямо говорил о непростой политической обстановке, высмеивал раболепие и пороки. Однако за такое свободомыслие угодил в тюрьму, позже был изгнан из Рима.

Преемником и продолжателем Гнея Невия как комедиографа стал его современник Тит Макций Плавт (ок. 254— 184 гг. до н.э.). Согласно имеющимся сведениям, Плавт в юности работал актером ателланы. Однако сам стал представителем паллиаты. Действующие лица в его произведениях были те же, что и у представителей новой аттической комедии. Главным героем был раб, обладающий хитрым и пронырливым нравом, который помогал устраивать любовные дела хозяина. Несмотря на использование сюжетов греческих пьес, в них явно проступали черты римской действительности, узнаваемые известные персоны. Использование контаминации делало пьесы Плавта живыми и оригинальными, творческое наследие комедиографа составляет около 20 пьес («Близнецы», «Клад» и т.д.), которые дошли до нас целиком, и одна в отрывках. Он внес изменения в построение диалогов, приблизив их к реальной жизни, чем и завоевал народную популярность. Важное место в комедиях автор отводил пению, музыке и танцам.

Содержание и композиция драматических произведений менялись в соответствии с политической жизнью Древнего Рима. После Плавта появился комедиограф Теренций, который получил образование, будучи рабом сенатора, впоследствии его признавали многие знатные представители римского общества. Произведения Теренция отличаются от комедий Плавта, поскольку он отказался от театральных средств и приемов ателланы. Он много позаимствовал у греков и сознательно подчеркивал это. Им написано шесть комедий, и все они дошли до нас. Действие в его пьесах обычно не выходило за рамки бытовых тем и вращалось вокруг семейных конфликтов, сюжеты лишены динамики в развитии интриги и громких разоблачений, зато наполнены психологическими характеристиками героев, их размышлениями. Теренций позже будет назван предшественником новой европейской драмы. Влияние его взглядов отразится в произведениях Мольера, Корнеля.

После смерти Теренция развитие театра в римском обществе приостанавливается. Уже не ставятся пьесы, художественные образы паллиаты исчерпали себя. При этом продолжали существовать короткие представления с занимательными и развлекательными сюжетами, которые разыгрывались в любом месте города. В период империи возникает новый жанр римской комедии — мим, соединивший в себе все особенности национальной комедии римской культуры. Мим представлял собой длинную пьесу с запутанным, но интересным сюжетом, с большим количеством действующих лиц. Темы мимов касались моральных и семейных ценностей, но особенной популярностью пользовались истории о разбойниках. Известен случай, который повествует о том, что на одном из таких представлений император распял настоящего разбойника, заменив актера. Актерскую работу в Риме почетной не назовешь: актеры в случае плохой игры подвергались осмеиванию и побоям. Актерские труппы, хотя и много позаимствовали у греков, были непрофессиональными, они объединялись под руководством одного хозяина — антрепренера, который и организовывал театральное представление. При постановке исполнители тщательно прорабатывали мимику, движения, продумывали траекторию перемещения, обращения к зрителю, подбирали маски и костюмы. Женские роли, как и в греческом театре, играли только мужчины. Редкий актер удостаивался уважения среди коллег и зрителей, однако до нас дошли имена прославленного трагического актера Эзопа и комического актера Росция.

Большим спросом пользовались зрелища — пантомима («панта» — все), где все действие воспроизводилось движением, заменяющим слова, и пирриха (военный танец, имитирующий сцены боя), — которые демонстрировались в амфитеатрах и цирках[4], а также состязания на колесницах, кулачные бои и гладиаторские поединки. Театр не имел специальных помещений, и представления проходили на городских улицах. Только в 55 г. до н.э. было построено первое театральное здание, самым знаменитым из амфитеатров стал римский Колизей. Там проходили гладиаторские поединки, а иногда и казни преступников, так что это были жестокие и кровавые зрелища, но несмотря на это они пользовались большой популярностью у жителей Древнего Рима.

Фото активные, приключенческие, оздоровительные туры 

Античный театр оказал решающее воздействие на развитие европейского театра. Театр стал движущей силой, способствующей развитию литературы, архитектуры, музыки и т.д. Многие разновидности театра, которые проявятся в Средние века, эпоху Возрождения, будут иметь в основе положения, сформированные античным театром.

Средневековый европейский театр. В развитии западноевропейского средневекового театра, охватывающем десять веков, выделяются два периода: ранний (V—XI вв.) и зрелый (XII—XIV вв.). В этот период истории культуры все предыдущие завоевания театра были перечеркнуты. Светские театры прекратили свое существование. Театр считался ересью и подвергался преследованиям отцов церкви. Культура Средневековья формировалась в новых условиях, потому театру, как и другим видам искусства, пришлось начинать все заново.

Средневековый театр зарождался в обрядовых играх. Несмотря на принятие христианства еще были живы языческие верования. Темы и сюжеты кардинально отличались от античных. Чаще изображались смена времен года, природные явления, сбор урожая и т.д. Участие в представлении могли принимать и зрители, все это действо заканчивалось грандиозным шествием. Позже сюжеты посвящались религиозным праздникам и героям. Оживление театральной жизни наступило к X в.г поскольку развивается рыцарская культура, которая формирует новые литературные и драматические жанры.

Площадками для представлений были улицы и площади. Как правило, представления были приурочены к праздникам или торжествам, из них постепенно исчезал обрядовый смысл. Но главное — они приобретали новый масштаб: иногда эти яркие, веселые и занимательные представления продолжались несколько дней, в них участвовали десятки, а порой и сотни горожан. Очень часто зрелища устраивались на ярмарках.

С развитием торговли, натурального хозяйства и феодализма усиливается желание поиска новой жизни — крестьяне перебираются в города, развиваются разнообразные ремесла, появляется большое количество кочующих людей, которые зарабатывают на жизнь забавой и развлечением горожан. Постепенно гистрионы — бродячие «народные» артисты: акробаты, жонглеры, дрессировщики, декламаторы и рассказчики, музыканты и певцы — дифференцируются по видам. Гистрионы подвергались гонениям за присущую их выступлениям сатирическую направленность, но ими был накоплен большой багаж актерского мастерства, поэтому появление фарсовых актеров, драмы и светской драматургии связывают с гистрионами.

Театр долго находился под запретом. Несмотря на это ставились импровизационные сценки, сохранялись традиционные элементы обрядовых представлений. Участь актеров в период Средневековья была тяжелой: их преследовали, проклинали и запрещали предавать земле после смерти.

Религиозные праздники стали сопровождаться примитивными инсценировками с использованием диалогов. Одной из форм театра в ранний период Средневековья стала церковная драма. Выделяют литургическую и полу-литургическую драму. Первые литургические драмы состояли из инсценировки отдельных эпизодов Евангелия. Усложнялись и совершенствовались костюмы, текст, движения. Представления проходили под сводами храма, но со временем полулитургическая драма вышла из храма, переместилась на паперть, так увеличилось количество мест действия. К организации и участию в действии привлекались миряне — им отводились роли чертей или бытовых персонажей.

Популярность полулитургических драм стремительно росла. Иногда паперть уже не могла вместить всех желающих. Так появилась новая форма — мистерия, которая получила развитие во всех европейских странах. В мистериях принимали участие сотни людей, все представления проходили на латыни, которая перемешивалась с разговорной речью. Авторами мистерий были ученые-богословы, юристы, врачи. Позже проведение мистерий организуется муниципалитетами, т.е. они становились более светскими. Это объясняет тот факт, что сюжетные линии мистерий уже не ограничивались религиозной тематикой, заметную роль в них начинает играть фольклор, мистерии обогащаются элементами народной смеховой культуры.

Драматургия до появления мистерий разделялась на три цикла: ветхозаветный (библейские легенды), новозаветный (повествующий о рождении и воскресении Христа), апостольский (жития святых). Мистерия существенно раздвинула диапазон тематики произведений. Представления организовывались самыми разными способами. Иногда все происходило на движущейся телеге, где-то это были стационарные места на городских площадях и улицах.

Другой формой средневековых зрелищ стал миракль (от латинского — «чудо»), В новой форме воплотились религиозные воззрения общества. Главной идеей всех подобных театральных представлений было разрешение любых конфликтов чудесным образом, посредством вмешательства сверхъестественных сил. Позже первоначальный смысл начал размываться: все чаще в мираклях находили отражение проблемы социального характера, критика религиозного знания. Сюжеты строились на бытовых примерах из реальной жизни, однако постоянно имело место присутствие «темных сил» — потусторонние контакты с чертом, ангелами, дьяволом, попадание в ад. Миракли исполнялись на паперти собора. Проявление чудес организовывали специальные люди с использованием техники. Наиболее известен миракль «Чудо о Теофиле». Автор Рютбеф использовал средневековую легенду.

Право на жизнь в XIII в. получила и светская драматургия. Трубадур Адам де Ла Аль считается первым средневековым драматургом, но в его произведениях уже появляются первые зачатки театра Возрождения.

Появились первые светские кружки, на собраниях которых писались светские пьесы, но написано их было немного и они не получили широкого распространения в связи с укоренившимся в обществе религиозным мировоззрением.

Еще одной формой развития театра в средние века стало моралите, в названии направления отражена суть пьес, в которых мораль стала основной движущей силой и оружием борьбы с феодалами. Моралите старалось освободиться от религиозных сюжетов, основным характерным элементом стал аллегоризм: пороки олицетворялись (и осуждались) в персонажах. Все конфликты между героями в пьесе возникали на почве борьбы двух начал: добра и зла, духа и материи. Это приводило к тому, что герои были лишены индивидуальных характеров, но моралите как жанр завоевал большую популярность. Авторами моралите были представители науки, которые видели назначение моралите в сближении с реальной жизнью, тема религии при этом почти не звучала, но зато тематика обогатилась политической направленностью. Среди авторов моралите регулярно проводились соревнования или олимпиады.

Наконец, одним из самых популярных зрелищ стал фарс (от лат. farsa — начинка), который возник, как считают исследователи, из французских игр (jeux), известных еще в XII в., окончательно сформировался в XV в. в Италии и распространился по всей Европе. Фарс впитал в себя элементы предыдущих форм зрелищ, но его отличало от них содержание — обычно это были бытовые сценки с перебранками и потасовками, которые высмеивали семейные измены, плутни слуг и торгового люда, неправедных судей и т.п. Особый тип представлений был направлен на пародию церковных устоев и церковной службы. Комические сценки были небезопасны для репутации церкви, поэтому и актеры, и организаторы преследовались ее служителями. Однако искоренить фарс оказалось сложно — он был настолько востребован зрителем, что даже регулярно проводились парады фарсовых представлений.

Итак, в период Средневековья театр существовал в разных формах. На начальном этапе он стал своего рода «библией для неграмотных», пересказывая библейские сюжеты. Театральные представления средневековья стали предтечей развития театра эпохи Возрождения.

Назад в раздел